BIENAL12

Porto Alegre

Femenino(s)

Participación y cultura democrática.

                           El título de esta bienal instala un interrogante que remite a la fricción central de la cultura democrática contemporánea: la participación y la representación desde nuestras diferencias.  En un sentido, toma como punto de partida las preguntas que propuso la teórica chilena Nelly Richard en su libro Masculino / Femenino (1993), que, en ciertos sentidos, reinscribían las reflexiones del film de Jean-Luc Godard (1966). Los interrogantes tienen plena vigencia. Particularmente en un momento en el que lo femenino retoma agendas incumplidas desde los años sesenta, recoge los cuestionamientos de los noventa y amplia sus urgencias desde las incrementadas violencias hacia las mujeres y los feminino(s), desde el aumento de la pobreza y de los sistemas de exclusión y discriminación, y desde la observación crítica y atenta de los programas que acechan los recursos naturales del planeta.

            La bienal propone elaborar un contrato sensible, una zona de intercambios de visualidades, acciones y afectos que permita confirmar la riqueza de la vida democrática.

           

                 Femenino(s) destaca el valor de la creatividad para saltar límites y condicionamientos. Se inspira, en este sentido en una frase poética de Carolina Maria de Jesus, campesina, poeta y cronista afrobrasileña, quien escribía en todos los momentos libres que le dejaba el trabajo y el cuidado de sus hijos. Ella escribía en la pobreza de la favela y a pesar de sus limitaciones. Escribía “Ate passar a chuva”. La palabras y las imágenes se depositaron en sus papeles diseñando territorios liberados. Porque la escritura explora los límites que las circunstancias señalan sobre el lenguaje. A estas condiciones de la creación probablemente aludía Clarice Lispector cuando se refería a la tarea de surcar imposibilidades: “Todo lo que sé no lo puedo escribir”, escribía, al tiempo que nombraba el “lujo del silencio”. Más que la obviedad de los sentidos, desplazados en un tiempo en el que todo sentido debe negociarse, el diagrama expositivo de la bienal apunta a la lectura atenta de una comunidad interpretativa capaz de abordar un tejido de sensibilidades. Porque, lo sabemos, es necesario decir pese a todo.

                    Femenino(s) se centra en las propuestas de artistas mujeres y de todas las sensibilidades no binarias, fluidas, diferentes. Sobre todo aquellas que se expresan en su oposición a las más diversas formas de la violencia. Se trata de involucrarse con las aspiraciones de las mayorías a las que muchas obras nos dirigen, y que comprenden prioritariamente a las artistas afro descendientes e indígenas, cuya presencia comienza a visibilizarse en un mundo del arte todavía excluyente. Se trata de escuchar todo aquello que los estereotipos marginan. Todas las voces constituyen la cultura.

                  Femenino(s) se expande con las propuestas de artistas varones que, como socios o aliados,  buscan valorar las poéticas propuestas por mujeres extraordinarias que han quedado invisibilizadas. Las transformaciones requieren de la empatía. Todas las historias necesitan ser comunicadas. 

              Femenino(s) se enriquece con la creación de quienes trabajan con materiales y técnicas tradicionalmente atribuidos a las artes de lo femenino. Se apropia del lujo de las  formas inclusivas de la creatividad y celebra la participación del público. Las experiencias que expanden la expresión de la comunidad contribuyen a la conversación, al intercambio, y a la necesaria reconstrucción de una trama social herida. El juego genera intercambios desde los que podemos imaginar otras formas de conocimiento. Todos los lenguajes nos pertenecen. 

                 Femenino(s) aspira a un empoderamiento que nos incluya a todos. Una plataforma que actúe como un foro y como un coro de expresiones y escuchas. Quiere funcionar como un espacio en el que mute la estructura tradicionalmente excluyente de las representaciones del mundo del arte. En tal sentido, la bienal no quiere aterrizar sobre Porto Alegre como un objeto extraño. Muchas de sus obras se originarán en la participación y en el goce de sus ciudadanos. La bienal se propone como un espacio de celebración colectiva.

 

Por el momento visualizo tres secciones (que no son completamente diferentes, en muchos sentidos se cruzan), que corresponderían a los tres edificios principales:

 

                Foros / Coros. Las voces de la diferencia. Esta sección de la bienal Vejez, enfermedad, ceguera, pobreza, violencias, discriminación. Belleza de la diferencia. Pronunciar las palabras de lo decible no decible. Posibilidad del habla. Condicionamientos sociales de la visión. Incluye sobre todo obras performáticas.  (Memorial)

 

              Tramas / Suturas. Tejido social, tejido material. Esta sección considera obras que se inscriben dentro de lo textil, participación todos los mensajes que se imprimen sobre la trama porosa de la tela. (Santander)

 

              Historias / Personas. Derechos de las mujeres. Judy Chicago. Nombrarse y nombrar. Recuperar las voces de artistas olvidadas. Incluirá visiones más monográficas. Temas de violencia de género, violencia represiva. Libertad de expresión, censura. (MARGS)

Curadora Chefe 

Andrea Giunta (Buenos Aires, 1960)

É pesquisadora Principal do Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas da Argentina e Professora de Arte Latino-americana e de Arte Internacional na Universidade de Buenos Aires. Foi Chair in Latin American Art History and Criticism na Universidade do Texas em Austin, onde também foi Diretora Fundadora do CLAVIS (Center for Latin American Visual Studies). Foi Professora Visitante da École des Hautes Études en Sciences Sociales, Paris; Professora Visitante da Universidade Nacional Autônoma do México; Professora Visitante da Universidade de Duke, Durham; Professora Visitante da Universidade de Monterrey, México; Tinker Visiting Professor da Universidade de Columbia, Nova York, entre outras. Foi palestrante em museus e universidades, como o MoMA de Nova York, o Museu Centro de Arte Reina Sofía de Madri, o Haus der kunst de Munique, o Bahnhof Museum de Berlim, Harvard University, University of California, Berkeley, Art Institute de Chicago, Princeton University, New York University.

É autora de diversos livros, entre eles: Avant-Garde, Internationalism and Politics, Argentine Art in the Sixties (Duke University Press), Poscrisis (Siglo XXI), Escribir las imágenes (Siglo XXI), Objetos mutantes (Palinodia), ¿Cuándo empieza el arte contemporáneo? (ArteBA), El Guernica de Picasso (Biblos). Seu livro mais recente, Feminismo y arte latinoamericano, foi publicado em 2018 pela editora Siglo XXI. Foi curadora da Retrospectiva de León Ferrari, no Centro Cultural Recoleta, Buenos Aires, e na Pinacoteca de São Paulo; co-curadora da exposição Extranjerías com Néstor García Canclini no Museu de Arte Contemporânea da UNAM, México; co-curadora de Verboamérica com Agustín Pérez Rubio no Museu de Arte Latinoamericana de Buenos Aires. Atualmente, e a co-curadora de Radical Women. Latin American Art, 1960-1985 com Cecilia Fajardo-Hill no Hammer Museum de Los Angeles, o Brooklyn Museum de Nova York e a Pinacoteca de São Paulo.

equipe curatorial

Curadora Adjunta 

 

Fabiana Lopes

Is a New York and São Paulo-based Independent Curator and a Ph.D. Candidate in Performance Studies at New York University, where she is a Corrigan Doctoral Fellow. Lopes focuses on the artistic production from Latin America and is currently researching the production of artists of African descent in Brazil. abiana Lopes recently held the positions of Curatorial Assistant at the Colección Patricia Phelps de Cisneros and Simon Watson Arts. Her most current exhibition projects include Lidia Lisboa: em tramas, Galeria Rabieh, São Paulo (2015), Priscila Rezende’s performance Bombril as part of the exhibition Limite Zero, Galeria Rabieh, São Paulo (2014). She has also contributed to exhibitions and curatorial projects such as Maid by…Feito por Brasileiros, Cidade Matarazzo, São Paulo (2014), Lygia Clark: The Abandonment of Art, 1948—1988, the Museum of Modern Art, New York (2014), Sensitive Geometry: Brazil 1950s—1980s at Hauser & Wirth, New York (2013), Inside The Artist’s Studio at Sotheby’s Institute of Art, New York (2010), and Lucas Arruda, Deserto Modelo for Simon Watson Arts, New York (2011). Lopes’ writing has been published in the exhibition catalog New Territories: Laboratories for Design Craft and Art in Latin America, Museum of Art and Design, New York (2014), Territorios: artistas afrodescendentes no acervo da Pinacoteca (Territories: African Descents Artists at Pinacoteca’s Collection), Pinacoteca, São Paulo (2016),, Harper’s Bazaar Arte Brasil, OMenelick2o.Ato and ARTE!Brasileiros.

Curadora Adjunta 

Dorota​ Biczel

Born and raised in Warsaw, Poland, Dorota Biczel is currently a doctoral candidate at the Center for Latin American Visual Studies (CLAVIS) at the Department of Art and Art History at The University of Texas at Austin. She holds a dual MA in art history, theory, and criticism, and arts administration and policy from the School of the Art Institute of Chicago, which she earned in 2010.

Dorota’s research revolves around the issues of the intersections of avant-garde artistic traditions and visual culture, and production of political subjectivities. In this context, she investigates community building, “public sphere” and public space, and art historiographies in the context of so-called “democratic transitions,” with the special focus on Latin America and Eastern Europe. Her dissertation focuses on artistic and architectural experimental practice and the notions of the public in Lima, Peru, between 1978 and 1989.

She has published numerous articles and essays, most recently, in the journals Buildings & Landscapes and ARARA, and in the exhibition catalogues Líneas, palabras, cosas: Luz María Bedoya (Lima: Instituto Cultural Peruano Norteamericano, 2014) and Perder la forma humana (Madrid: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2013). In 2011, together with Miguel López and Emilio Tarazona, she curated the retrospective exhibition Teresa Burga’s Chronology: Reports, Diagrams, Intervals at Württembergisher Kunstverein Stuttgart. She also regularly writes art criticism for the Houston-based magazine Glasstire.

Curador Pedagógico 

Igor Simões

Doutorando em Artes Visuais - História, Teoria e Crítica da Arte pela UFRGS; mestre em Educação pela UFPel; graduado em Artes Visuais pela UFPel. Atua como professor assistente de história, teoria e crítica da arte e prática do ensino da arte na Uergs e também como curador, tendo sido responsável por projetos como: Prêmio Simões Lopes Neto (Pelotas/RS); Olhares do Século XIX: pintura em acervos públicos pelotenses (Pelotas/RS), Poética Passageiras (Montenegro/RS); Salão 10X10 (Montenegro/RS) e Encontros de História, Teoria e Crítica da Arte (Porto Alegre/RS). Em 2018, coordenou o evento Vozes Negras no Cubo Branco, no MARGS. Responsável por projetos de curadoria educativa em inúmeras exposições, coordena os Seminários de História, Teoria e Crítica da Arte em parceria com o Museu de Arte do Rio Grande do Sul. Membro do comitê de curadoria da Associação Nacional de Pesquisadores-ANPAP.

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